Welcome to another artist interview!
It is a great pleasure to introduce the British artist Julia Weston.
Julia is a mixed-media artist, creativity coach and teacher. She recently moved to Clevedon, North Somerset, together with her partner Pedro and their elderly cat Vasco. The move has already given her new inspiration and is shaping her current artistic work.
On Instagram she goes by the name Shedstudio52 – a reference to her former studio shed in London, where she began to dedicate herself more deeply to art.
Julia combines painting and collage with printing techniques. She particularly enjoys working with the gel plate, experimenting with a wide range of materials to create monoprints. In addition, she uses acrylics, inks and collage elements, which she continuously reworks and assembles in new ways.
Her inspiration comes from many different things: worn surfaces, recurring patterns, seaside plants or impressions from her travels to Portugal. At the moment she is captivated by the coastal paths around Clevedon, especially Poets’ Walk. She is fascinated by the changing light effects influenced by tides and times of day, which she gradually translates into her work.
A fundamental part of her practice is working in sketchbooks. They serve as a starting point to find her flow, to try out ideas and to allow more freedom in her creative process.
Alongside her own artistic practice, Julia brings more than 25 years of experience in education, including around 20 years in adult education where she has led training sessions for large groups of art teachers. This combination of artistic practice and pedagogical expertise is something she plans to bring to future in-person courses in Clevedon.
So look forward to an inspiring interview with an artist who generously shares her experience and shows how art can be both a personal expression and a collective experience.
I truly hope this conversation brings you joy and perhaps encourages you to give yourself more space for your own creative process.
Enjoy reading and feel inspired!
The following interview questions were answered by Julia in writing. The full and recorded interview has been published along with other interviews with other artists in the Art & Inspiration Community.
Can you start by telling us a bit about your journey as a mixed-media artist and creativity coach?
I think my lifelong desire to create was fuelled by a school I went to from age 4 to 8 where we spent our days sewing and doing woodwork and cooking and dancing and doing creative projects and I suspect that the way that school lit something up in me is what I’ve been chasing now and will keep chasing for the rest of my life!
Then while I was a primary teacher for many years art acted as stress relief from the demands of the job – night classes and weekends and week long summer schools too.
Roughly 10 years ago I read Julia Cameron’s ‘The Artists Way’ (a 12 week programme) and something in me shifted and I finished it determined to give art making a bigger place in my life. From that I also started habits like morning pages, artists dates and making space and time for my art in my home too. I would screen print on my kitchen table on the weekends and have stuff hanging from the ceiling drying.
And then during lock down I was able to take some really amazing art classes which helped me sort my head out and accept that it really is all about being in the process and not the end result, as well as realising that this was going to be a whole life long pursuit of finding ways of putting notions that come into my head down on paper. For me this keeps me excited about art making!
The mixed media bit is because I can’t choose – I love painting and different forms of printing and mark making and messing with materials and more. My brain likes variety so having access to lots of processes and materials keeps me super engaged. And day by day I get to choose what I’m in the mood for so nothing feels like work.
Then after teaching I became an education consultant which is work I did until our recent move. This involved a lot of coaching of teachers and leaders – so a couple of years ago I did some self-study and figured out I could transfer a lot of those skills into creativity coaching. So, I put a notice out in my newsletter asking for volunteers and starting growing my practice.
You’ve recently moved to Clevedon. How has this new environment influenced your art and creativity?
Firstly I feel like I’ve come home – I’m back by the sea again and I’m excited by my environment and out walking often. So I’ve been soaking it all in since we moved and the desire to use the local environment – like my fascination with the pebbles and my obsession with the diversity of sunsets I’m seeing is fuelling my desire to create and also what I’m creating. Although its more about the feelings that the environment brings out in me – not a desire to paint still life scenes.
Working in sketchbooks is a fundamental part of your practice. Can you share how sketchbooks help you find your flow and explore new ideas?
I used to have this perception that to be an artist I had to walk around with a sketchbook in my backpack and take it out to do life like drawings of my everyday life along the way.
Luckily, I’ve disabused myself of that notion now – because that’s not really what I want to do and is only one very narrow form of sketchbook use.
For me sketchbooks are my playground where everything is an experiment. My inner critic (named Florence after a critical granny) is politely asked to remove herself and I allow myself almost total freedom to do whatever is fuelling me at any point in time (unless I’m doing a challenge and following prompts).
When I’m being organised, I lay out my sketchbook and some tools on my work bench at the end of one day’s art, as a kind of invitation to myself for the next day.
I have a 15 minute play track of 4 songs I love to listen to – so when I come to my art space I quickly get in motion playing with whatever I’ve laid out – and also whatever comes into my mind to do too. And importantly, I never censor ideas in my sketchbook.
It’s taken a good deal of training to allow myself this freedom of play but the benefits of doing this are huge – and it does get me into a flow state to then allow me to get on with some work for exhibitions or class prep afterwards in a way better frame of mind. I also use it sometimes to wind down after teaching or after a busy day where I’ve not had time for art making because it brings me into myself in a way that no form of meditation does!
But you have to allow yourself not to judge what shows up on the page – if you want to truly explore in art making its an invaluable practice. And I don’t think my art can move forwards without this practice, because it’s through this that I discover new things all the time or delve deeply into little ideas I have that then become driving obsessions.
You’re currently participating in a 30-day sketchbook challenge. What motivated you to take on this challenge?
It’s one I’ve done before and finished every time because I enjoy it so much. Each time I come to it what shows up on the page is so different. It allows me to delve into what’s in my idea bank or just be free to mess make. And it’s also a commitment to show up to my sketchbook everyday for 30 days – I don’t make art every single day but during this period I try to.
And for this round myself and a friend Nicola Young are playing around with the notion of some joint coast related work so we thought this challenge would be a great vehicle for exploring this in our own work – and then we’re swopping paper pieces we’ve done (alongside the book) over and going to do some working into each others.
Do you enjoy working with prompts during challenges like this, or do you find it more challenging to create within those parameters?
I do because I work with them loosely and then allow myself to go and play! And if one day I read a prompt I don’t want to do on that day then I choose another one and do them in a different order. And if I feel like doing something else entirely I make up my own prompt for the day. The thing with art it always giving yourself permission to go where there is something that’s making you feel excited and we get to give ourselves that permission!
How do you structure your days during this 30-day challenge to ensure you stay on track and inspired?
I’m very lucky at the moment that I have control over my own time largely – with commitments I’ve made and things I’ve chosen to do like the art classes I run.
But when I’m at home for the day I prioritise my morning time for art making – and that means early starts sometimes to fit it in. If I’ve had appointments, I use late afternoon time.
So much of art making is about knowing yourself and what works for you – like what time of day gives you good art energy and using it if you can! And if there are days when I really can’t squeeze in 15 minutes then it’s not big deal – I might have already done that prompt the day before knowing this or I might do 2 prompts the next day. Secretly I quite like working ahead of when I post so I don’t have any social media pressure.
And there are days I get so excited that I might do a whole bunch of prompts – I don’t allow rules or external expectations to influence how I show up.
I’ve also got a bunch of health challenges so I like the freedom to choose what I do determined by whether I’ve slept or how much energy I’m fuelled by.
And I don’t think I’m ever not excited by art making – just give me ink and a stick and I’m pretty happy! But part of that is also making sure I get out to gallery visits and join in art groups and read great books and listen to podcasts and get involved in a wider art life because that keeps the excitement and engagement high!
What has been the biggest challenge you’ve faced during this 30-day sketchbook challenge?
The challenge isn’t a logistical one to do with taking part but more a how on earth am I going to translate this notion of the feeling I derive from seeing the sunsets into something that feels like that on paper. I think it’s the biggest art challenge I’ve delved into yet but it’s also what keeps me coming back to play with this idea over and over again – because I’m nowhere near it . . YET!
Can you share one of your favorite pieces from this challenge and the story behind it?
Yes – it’s the one that follows on from the risk-taking session I filmed – so playing with mark making and colour to express something about the sunset. It’s still a long way from where I want to be but it’s exciting to see that in every iteration I’m learning and exploring and delving deeper into this driving ambition. And this piece is showing me some other things I can explore – its capturing those ‘what if. . . ?’ ideas that each fresh attempt shows you that is important.
What has been your greatest learning experience from this challenge so far?
That some days just showing up is good enough and that not all art days are equal. Art has taught me much about patience – and there are days when nothing major will arise from what you do and that’s ok too.
Also I don’t think I’ve been taking big enough risks throughout this challenge so that’s something I want to push more but I think the sunset work will allow me to do more of that.
How do you think this challenge has influenced your overall artistic practice and mindset?
It’s leading me into new territory in a clearer way – I knew I wanted to work with coastal influences but before I started I wasn’t totally clear about what they were because there are so many.
Now I know it’s all about the pebbles and the sunsets (but probably not together!) And these things will develop my art – particularly the sunsets as that’s so new to me! Pattern making and working with rocks I’ve done before but not abstracted landscapes.
Its reminded me to go bigger with risk taking and has cemented in me what I want to pursue as I enter into the coming months where I’m making work for various shows. I need to follow obsessions so I’m clear about what they are now.
Do you have any tips or advice for our community members who might want to try a similar challenge?
- Decide as you go along whether it feels better to allow what happens in the sketchbook to be just for you or whether you feel happy sharing what could be quite vulnerable raw workings. There’s no compulsion to have to share stuff – particularly if it puts you off being really free.
- Do some work on your mindset if you need to – so much great advice in podcasts and books to help you!
You’ve prepared a video lesson showcasing how you work in your sketchbook. Can you tell us more about this lesson and why you chose this particular example to share with us?
I wanted to show real time art with me pondering something I don’t know how to do. It was the ‘take a risk’ prompt from the challenge. So much of what is shared on social media is not real attempts at doing something and all the messy stuff that doesn’t go perfectly and all the failed attempts. But there is so much learning in failed attempts which move you forward to your next ‘so what if I do this now . . .’. What we see is unrepresentative of real studio practice so I thought it might be useful to share something real!
What advice would you give to artists just starting out with working in a sketchbook?
- Spill something on your pages or make a smudgy mark or stick some collage papers onto random pages – anything so you don’t treat it at all preciously
- Give yourself some mindset rules e.g. in this book I am not going to judge the outcome
- Allow what you do in it to evolve over time
- If you cant got to it one day don’t let that put you off continuing another day.
Anything else I forgot to ask that you would like to share?
I’ve been listening to lots of creativity themed podcasts lately and there’s a bit if a common message which keeps on occurring – which is that if you want to grow your art you have to put yourself in places where you feel uncomfortable and train yourself to get used to that feeling of discomfort where you might make stuff that you think is a mess. I think one was Authentic Obsessions with a surface pattern designer Bonnie Christie. Find ways of practicing living with discomfort in your art making and it will help you immensely.
Find out more about Julia here:
Website: www.shedstudio52.com
Instagram: @shedstudio52
The full, filmed interview is available exclusively to the Art & Inspiration community
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Willkommen zu einem weiteren Künstlerinterview!
Es ist mir eine große Freude, die britische Künstlerin Julia Weston vorstellen zu dürfen.
Julia ist Mixed-Media-Künstlerin, Creativity Coach und Lehrerin. Sie lebt seit kurzem in Clevedon, North Somerset, wohin sie mit ihrem Partner Pedro und ihrem alten Kater Vasco gezogen ist. Der Ortswechsel hat ihr bereits neue Inspiration geschenkt und prägt ihre aktuelle künstlerische Arbeit.
Auf Instagram ist sie unter dem Namen Shedstudio52 aktiv – ein Verweis auf ihr früheres Atelier in London, wo sie begann, sich intensiver der Kunst zu widmen.
Julia kombiniert Malerei und Collage mit Drucktechniken. Besonders gerne arbeitet sie mit der Gelplatte, auf der sie mit den unterschiedlichsten Materialien experimentiert und Monoprints entstehen lässt. Ergänzend verwendet sie Acrylfarben, Tinten und Collageelemente, die sie immer wieder überarbeitet und neu zusammensetzt. Ihre Inspiration findet sie in den unterschiedlichsten Dingen: abgenutzten Oberflächen, wiederkehrenden Mustern, Pflanzen am Strand oder den Eindrücken ihrer Reisen nach Portugal.
Aktuell begeistert sie sich für die Küstenwege rund um Clevedon, besonders für den Poets’ Walk. Dort faszinieren sie die sich mit den Gezeiten und Tageszeiten verändernden Lichteffekte, die sie nach und nach in ihre Arbeiten überträgt.
Ein wesentlicher Teil ihrer Praxis ist das Arbeiten in Skizzenbüchern. Diese dienen ihr als Ausgangspunkt, um in den Flow zu kommen, Ideen auszuprobieren und Freiräume zu schaffen.
Neben ihrer eigenen künstlerischen Arbeit bringt Julia mehr als 25 Jahre Erfahrung in der Bildung mit. Darunter sind rund 20 Jahre in der Erwachsenenbildung, in denen sie unter anderem Fortbildungen für große Gruppen von KunstlehrerInnen geleitet hat. Diese Mischung aus künstlerischer Praxis und pädagogischem Wissen möchte sie künftig auch in Präsenzkursen in Clevedon weitergeben.
Freu dich also auf ein inspirierendes Interview mit einer Künstlerin, die ihre Erfahrungen großzügig teilt und zeigt, wie Kunst sowohl persönlicher Ausdruck als auch gemeinschaftliches Erleben sein kann.
Ich hoffe sehr, dass dir dieses Gespräch Freude macht und dich vielleicht dazu ermutigt, dir selbst mehr Raum für kreative Prozesse zu geben.
Viel Freude beim Lesen und Inspirieren lassen!
Übersetzung des Interviews:
Kannst du uns ein bisschen über deinen Weg als Mixed-Media-Künstlerin und Kreativitätscoach erzählen?
Ich glaube, meine lebenslange Leidenschaft für kreatives Arbeiten wurde schon früh geweckt – in einer Schule, die ich von 4 bis 8 Jahren besuchte. Dort haben wir den ganzen Tag genäht, mit Holz gearbeitet, gekocht, getanzt und an verschiedenen Projekten gearbeitet. Ich vermute, dass das Feuer, das diese Schule in mir entfacht hat, genau das ist, was ich seither verfolge – und wohl mein Leben lang weiterverfolgen werde!
Später, während meiner Jahre als Grundschullehrerin, wurde Kunst zunächst zu einem Mittel, um den Stress des Berufs auszugleichen. Ich belegte Abendkurse, verbrachte Wochenenden und ganze Sommerwochen in Kunst-Workshops.
Irgendwann las ich dann The Artist’s Way von Julia Cameron – ein 12-Wochen-Programm – und das hat etwas in mir verändert. Am Ende dieses Buches war mir klar: Kunst sollte eine größere Rolle in meinem Leben spielen. Seitdem habe ich mir bestimmte Gewohnheiten angeeignet, wie das Schreiben von “Morning Pages”, regelmäßige Künstler-Dates und das bewusste Schaffen von Raum und Zeit für Kunst in meinem Zuhause.
Während des Lockdowns hatte ich dann die Gelegenheit, einige fantastische Kunstkurse zu besuchen, die mir geholfen haben, meinen kreativen Kopf neu zu sortieren. Dabei habe ich wirklich verstanden, dass es nicht um das Endergebnis geht, sondern um den Prozess. Ich habe auch akzeptiert, dass mein künstlerischer Weg ein lebenslanges Abenteuer sein wird – ein ständiges Erkunden von Ideen, die mir durch den Kopf gehen, und das Festhalten dieser auf Papier. Genau das hält meine Begeisterung für die Kunst lebendig!
Warum Mixed Media? Ganz einfach: Ich kann mich nicht auf eine Technik festlegen! Ich liebe Malerei, verschiedene Drucktechniken, Mark Making und das Experimentieren mit Materialien. Mein Gehirn braucht Abwechslung, und die Vielfalt an Möglichkeiten hält mich kreativ in Bewegung. Jeden Tag kann ich entscheiden, worauf ich Lust habe – so fühlt sich nichts wie Arbeit an.
Nach meiner Lehrtätigkeit arbeitete ich dann als Bildungsberaterin und coachte viele Lehrkräfte und Führungskräfte. Irgendwann habe ich gemerkt, dass sich diese Coaching-Fähigkeiten wunderbar auf den kreativen Bereich übertragen lassen. Also habe ich mich selbst weitergebildet, einen Aufruf in meinem Newsletter gestartet und so nach und nach meine Praxis als Kreativitätscoach aufgebaut.
Du bist kürzlich nach Clevedon gezogen. Wie hat diese neue Umgebung deine Kunst und Kreativität beeinflusst?
Es fühlt sich an, als wäre ich nach Hause gekommen! Ich bin wieder am Meer, meine Umgebung begeistert mich, und ich bin ständig draußen unterwegs. Seit unserem Umzug sauge ich alles in mich auf – besonders meine Faszination für Kieselsteine und meine Obsession für die unglaublich vielfältigen Sonnenuntergänge hier treiben mich in meiner Kunst an. Es geht mir weniger darum, Stillleben zu malen, sondern mehr um das Gefühl, das diese Umgebung in mir auslöst.
Das Arbeiten in Skizzenbüchern ist ein zentraler Bestandteil deiner Praxis. Wie helfen dir Skizzenbücher, deinen kreativen Flow zu finden und neue Ideen zu erkunden?
Früher dachte ich, als Künstlerin müsste ich ständig ein Skizzenbuch mit mir herumtragen und realistische Zeichnungen meines Alltags anfertigen. Glücklicherweise habe ich mich von diesem Gedanken verabschiedet – denn das entspricht überhaupt nicht dem, was ich tun möchte.
Für mich sind Skizzenbücher ein Experimentierfeld. Meine innere Kritikerin (die ich liebevoll Florence nenne, nach einer kritischen Oma) wird höflich gebeten, sich zurückzuziehen, und ich erlaube mir völlige kreative Freiheit – außer, wenn ich an einer Challenge teilnehme und bestimmten Vorgaben folge.
Wenn ich organisiert bin, lege ich am Ende eines Tages bereits mein Skizzenbuch und einige Materialien bereit – als Einladung an mich selbst für den nächsten Tag. Ich habe auch eine 15-Minuten-Playlist mit vier Lieblingssongs, die ich höre, um direkt in den Flow zu kommen. In meinem Skizzenbuch gibt es keine Zensur – jede Idee darf dort Platz finden.
Es hat eine Weile gedauert, mir diese Freiheit zu erlauben, aber die Vorteile sind enorm! Mein Skizzenbuch bringt mich in einen kreativen Zustand, in dem ich anschließend auch fokussierter an Ausstellungsstücken oder Kursvorbereitungen arbeiten kann. Manchmal nutze ich es auch, um nach einem stressigen Tag abzuschalten – es funktioniert für mich besser als jede Meditation!
Der wichtigste Punkt dabei: Man muss aufhören, das zu bewerten, was auf den Seiten entsteht. Wer in der Kunst wirklich Neues entdecken will, braucht eine solche Praxis – und ohne sie würde meine Kunst sich nicht weiterentwickeln.
Du nimmst gerade an einer 30-Tage-Skizzenbuch-Challenge teil. Was hat dich motiviert, diese Challenge zu machen?
Ich habe diese Challenge schon mehrmals gemacht – und jedes Mal bis zum Ende durchgezogen, weil ich sie so sehr genieße! Jedes Mal entstehen ganz neue Dinge auf den Seiten.
Für diese Runde arbeite ich zusammen mit meiner Freundin Nicola Young an einem Projekt rund um das Thema Küste. Wir dachten, diese Challenge wäre perfekt, um das in unseren eigenen Arbeiten zu erforschen. Außerdem tauschen wir dabei Papierstücke aus und arbeiten in den Skizzenbüchern der jeweils anderen weiter – eine spannende neue Erfahrung!
Arbeitest du gerne mit Vorgaben, oder fällt es dir schwerer, innerhalb solcher Parameter kreativ zu sein?
Ich mag Vorgaben, aber ich nutze sie locker. Wenn ich an einem Tag ein bestimmtes Thema nicht fühle, dann nehme ich einfach eine andere Aufgabe oder denke mir selbst eine aus. Das Wichtigste ist, sich selbst die Erlaubnis zu geben, dem zu folgen, was gerade Freude macht!
Wie strukturierst du deine Tage während der Challenge, um am Ball zu bleiben?
Ich habe das Glück, meine Zeit größtenteils selbst einteilen zu können. Morgens ist für mich die beste Zeit für kreatives Arbeiten – manchmal bedeutet das frühes Aufstehen. Wenn ich unterwegs war, verschiebe ich meine Kunstzeit auf den späten Nachmittag.
Aber wenn ich an einem Tag wirklich keine 15 Minuten fürs Skizzenbuch finde, dann ist das auch okay. Manchmal arbeite ich im Voraus oder mache am nächsten Tag zwei Aufgaben. Ich setze mich nicht unter Druck.
Ich habe auch gesundheitliche Herausforderungen, also höre ich auf meinen Körper. Und ich bin immer begeistert von Kunst – gib mir eine Flasche Tinte und einen Stock, und ich bin glücklich!
Was war die größte Herausforderung während dieser Challenge?
Die größte Herausforderung ist nicht das Dranbleiben, sondern eher: Wie kann ich das Gefühl, das ich von diesen Sonnenuntergängen bekomme, so auf Papier bringen, dass es sich richtig anfühlt? Ich bin noch lange nicht dort, wo ich hinwill – aber genau das ist es, was mich antreibt!
Was war deine wichtigste Erkenntnis aus der Challenge?
Dass es okay ist, wenn nicht jeder Tag produktiv ist. Kunst lehrt Geduld. Manchmal entsteht nichts Großartiges – aber das ist Teil des Prozesses.
Welche Tipps hast du für andere, die eine ähnliche Challenge ausprobieren möchten?
- Überlege dir, ob dein Skizzenbuch nur für dich sein soll oder ob du es teilen möchtest – beides ist völlig in Ordnung.
- Arbeite an deiner Einstellung! Es gibt großartige Podcasts und Bücher, die dabei helfen.
- Gib dir selbst Erlaubnis zum Spielen!
Gibt es noch etwas, das ich vergessen habe zu fragen und das du gerne teilen möchtest?
Ich habe in letzter Zeit viele Podcasts gehört, und ein Thema taucht immer wieder auf: Wenn du in deiner Kunst wachsen willst, musst du dich in Situationen begeben, die dich aus deiner Komfortzone bringen. Du musst dich daran gewöhnen, dich unwohl zu fühlen – denn genau dort passieren die spannendsten Entwicklungen. Es geht darum, sich mit dem Gedanken anzufreunden, dass nicht alles, was du erschaffst, perfekt oder schön sein muss.
Ich glaube, eine Folge war von Authentic Obsessions mit der Surface-Pattern-Designerin Bonnie Christie. Der Kern dieser Botschaft: Finde Wege, mit dem Unbehagen in deinem kreativen Prozess umzugehen – es wird dir unglaublich helfen!
Mehr Infos findest du hier:
Website: www.shedstudio52.com
Instagram: @shedstudio52
Das komplette, gefilmte Interview gibt’s exklusiv in der Art & Inspiration Community.
