It’s a great pleasure to introduce a special guest to our community.
This interview is a wonderful reminder that you don’t need a huge studio to express your creativity.
I’m talking to UK artist Karen Stamper. Karen is known for her unique collages and paintings that capture the essence of urban landscapes, coastlines, harbours and boats. Her work celebrates the beauty of worn surfaces and textures.
Karen’s particular technique involves layering, cutting and deconstructing materials. This process gives each work its own dynamic personality. She works with found and painted paper and paint, which she constantly reworks and reassembles.
Karen’s inspiration comes from her passion for travelling and from her childhood, in which repairing and reusing everyday objects was firmly anchored. Her art reflects the themes of time and history – and reveals an unexpected beauty in the marks and textures found in worn places and objects.
Look forward to an exciting conversation with an artist who not only tells visual stories with her work, but also reveals a deeper connection to the world around us.
But before we start, I encourage you to hop over to her website, which you can find at www.Karenstampercollage.com. And her instagram is @karen_stamper_collage.
I really hope you enjoy this blog post and that it encourages you to follow your intuition even if it means working with new materials and changing your style.
Enjoy and get inspired!
The following interview questions are only an excerpt and were answered by Karen in writing. The full and recorded interview has been published along with other interviews with other artists in the Art & Inspiration Community.
Where are you from, and where do you live?
I from East Yorkshire, Hull. After travelling and living many places in the world I now live in Cambridge which is nowhere near the sea or mountains!
Can you tell us about your creative journey?
At art College I specialised in silk screen printing. When I finished I went off travelling and working overseas for a few quite a few years (10! ) only returning to do my teach training, but I soon realised that I didn’t want to work in a school rest of my life! Whilst travelling I collected found papers and always carried a sketchbook and some pens and of course my SLR camera. I sketched many scenes and people.
Only when I stopped, in an English speaking country, New Zealand, did I really start to develop my collage work. I did editorial work for magazines and book covers, working purely in coloured papers. After a couple of years in New Zealand I came back to the UK and worked as a secondary school teacher whilst developing my own work. I exhibited annually in open studios and my travel/house collages were very successful. I also organised art and yoga holidays in the South of France and Italy.
I left teaching about 10 years ago, I didn’t have time to go! I started making my online courses and attended workshops with Emily Ball a UK painter and fantastic teacher. So I started painting more and then had the issue how to mix collage and paint together. Gradually I have developed this and my theme has changed from Mediterranean houses to boats and shipyards, and now much more abstract. Recently I developed my collage/assemblages on wooden panels and this, eventually really feels like me.
Please tell us more about your creative process and the materials you use.
I have always used paper collage and I guess really this has always been my subject. It is the folds and creases and stains and edges that excite me. I worked on paper sticking with PVA glue or acrylic medium. When I moved to working on the scale I am now – with layers of painted paper I moved on to, using house paint and varnish. My favourite tools at the moment are a old metal compass for scratching, sandpaper, and my jigsaw!
Sketchbooks play a major role for you in your artistic work. Do you follow a certain process when working in sketchbooks?
Yes, I have used Concertina sketchbooks for a long time now and I wouldn’t be without them. I love the way my work can flow backwards and forwards and how story develops through the whole book with the ebb and flow of the pages. I generally use A5 but I have smaller, and also have A4. I use Seawhite of Brighton books as the paper quality is fantastic and it is double, and seventy sides in total. I have tried making my own but they come out very wonky, even with your instruction video.!
Many years ago I decided to share my process of working in my sketchbooks, I build up layers with collage and ink and mark making and then use this to inspire me when I go on location. This is what I’ve based on my courses on. I am always trying to re-create the freshness of my books in my bigger pieces.
Do you have a dedicated space for making art?
I have a studio in my garden 8 x 16′, not so big especially as my work has got bigger it seems to have shrunk. I love the fact that it is just in the garden and I can nip back for cups of tea and snacks, it is sunny and warm in the winter. I step in turn my music up and I am in my element.
Have you ever experienced a creative block or some other creative challenge?
I think we all get some kind of block at sometime, but having a discipline of showing up to my studio nearly every day and it certainly helps me. Occasionally I am reluctant to go into the studio, because the work is not flowing but once I’m in there and I start to move college papers around I’m fine. I’m back in the groove.
I’m feeling a bit blocked at the moment because of the small size of my studio and the big size of the work I’m doing. I have to keep moving pieces to one side and stacking them up when I would really love to line them all up in a row. I have worked for three days pushing shapes around and only today did I realise what was missing – the quirky cheekiness – and that is written on my wall.
What’s been helping you to keep your practice going?
Self discipline is a good one. Excitement with what you are doing. My Mediterranean houses were commercial, but they became easy and I felt I needed to push myself in new directions.I also have worked with Emily Ball as my mentor, every couple of months I would check in with her and she would push me into new directions. This year I have signed up to Turps Banana which is a British online correspondence course for serious artists. We are assigned an artist/educator/writer who writes his thoughts five times a year and we work diligently in response.
Do you have any tips to share about consistency, discipline and commitment?
Consistency doesn’t have to mean being in your studio every day, or even three days a week, sometimes I have to work in blocks of a couple of weeks and then non-for awhile, it still works. To me consistency means pushing and persevering and making sure I FEEL something and know that I’m not just turning something out. My art has been a lifetime commitment, a friend asked me recently and it made me realise that it’s been there all my life and I could not imagine not being creative, it is feeds me and grounds me.
Find out more about Karen here:
Website: www.karenstampercollage.com
Instagram: @karen_stamper_collage
YouTube: Karen Stamper Artist
Facebook:Karen Stamper Collage
The full, filmed interview is available exclusively to the Art & Inspiration community
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Willkommen zu einem weiteren Künstlerinterview. Dieses Interview ist eine wunderbare Erinnerung daran, dass man kein riesiges Atelier braucht, um seiner Kreativität freien Lauf zu lassen.
Ich spreche mit der britischen Künstlerin Karen Stamper. Karen ist bekannt für ihre einzigartigen Collagen und Gemälde, die die Essenz von Stadtlandschaften, Küsten, Häfen und Booten einfangen. Ihre Arbeiten zelebrieren die Schönheit abgenutzter Oberflächen und Strukturen.
Zu Karens spezieller Technik gehört das Schichten, Schneiden und Zerlegen von Materialien. Dieser Prozess verleiht jedem Werk eine eigene, dynamische Persönlichkeit. Sie arbeitet mit gefundenem und bemaltem Papier und Farbe, die sie immer wieder überarbeitet und neu zusammensetzt.
Karen Stamper schöpft ihre Inspiration aus ihrer Leidenschaft für das Reisen und aus ihrer Kindheit, in der das Reparieren und Wiederverwenden alltäglicher Dinge fest verankert war. Ihre Kunst erzählt von Vergänglichkeit, Zeit und Geschichte – Themen, die in den Details abgenutzter Orte und Gegenstände eine unerwartete Schönheit offenbaren.
Freue dich auf ein spannendes Gespräch mit einer Künstlerin, die mit ihren Werken nicht nur visuelle Geschichten erzählt, sondern auch eine tiefere Verbindung zur Welt um uns herum aufzeigt.
Aber bevor wir anfangen, empfehle ich einen Besuch auf ihrer Website unter Karenstampercollage.com. Und ihr Instagram-Account ist @karen_stamper_collage.
Ich hoffe, du genießt diesen Blog Post und es ermutigt dich, deiner Intuition zu folgen, auch wenn das bedeutet, mit Materialien zu arbeiten, die für dich neu sind und deinen Stil zu verändern.
Lass dich inspirieren!
Die folgenden Interviewfragen sind nur ein Auszug und wurden von Karen schriftlich beantwortet. Das vollständige und aufgezeichnete Interview wurde zusammen mit weiteren Interviews mit anderen Künstlerinnen in der Art & Inspiration Community veröffentlicht.
Übersetzung des Interviews:
Woher kommst du und wo lebst du?
Ich komme aus East Yorkshire, Hull. Nach vielen Reisen und Aufenthalten an verschiedenen Orten weltweit lebe ich jetzt in Cambridge, das weder am Meer noch in den Bergen liegt!
Kannst du uns etwas über deinen kreativen Werdegang erzählen?
Am Kunstkolleg habe ich mich auf Siebdruck spezialisiert. Nachdem ich meinen Abschluss gemacht hatte, bin ich für einige Jahre (genauer gesagt 10!) ins Ausland gereist und habe dort gearbeitet, bevor ich nach England zurückkehrte, um meine Lehrerausbildung zu machen.
Allerdings wurde mir schnell klar, dass ich nicht mein ganzes Leben lang in einer Schule arbeiten wollte! Während meiner Reisen habe ich gesammelte Papiere mitgebracht und immer ein Skizzenbuch, einige Stifte und natürlich meine Spiegelreflexkamera dabei gehabt. Ich habe viele Szenen und Menschen skizziert.
Erst als ich in einem englischsprachigen Land, Neuseeland, zur Ruhe kam, habe ich angefangen, wirklich an meinen Collagen zu arbeiten. Ich habe redaktionelle Arbeiten für Zeitschriften und Buchcover gemacht, indem ich ausschließlich mit farbigen Papieren gearbeitet habe. Nach ein paar Jahren in Neuseeland kehrte ich nach Großbritannien zurück und arbeitete als Lehrerin an einer weiterführenden Schule, während ich meine eigene Arbeit weiterentwickelte. Ich stellte jährlich in offenen Ateliers aus, und meine Reise- und Hauscollagen waren sehr erfolgreich. Ich organisierte auch Kunst- und Yoga-Reisen in den Süden Frankreichs und nach Italien.
Vor etwa 10 Jahren hörte ich mit dem Unterrichten auf, weil ich einfach keine Zeit mehr dafür hatte! Ich begann, meine Online-Kurse zu erstellen und nahm an Workshops mit Emily Ball, einer britischen Malerin und hervorragenden Lehrerin, teil. Dadurch begann ich mehr zu malen und stand schließlich vor der Herausforderung, Collage und Malerei zu kombinieren. Nach und nach entwickelte ich diese Technik, und mein Thema wechselte von mediterranen Häusern zu Booten und Werften und wurde dann zunehmend abstrakter. Kürzlich habe ich begonnen, meine Collagen/Assemblagen auf Holztafeln zu entwickeln, und das fühlt sich endlich wirklich nach mir an.
Bitte erzähle uns mehr über deinen kreativen Prozess und die Materialien, die du verwendest.
Ich habe schon immer mit Papiercollagen gearbeitet, und das war wahrscheinlich schon immer mein Hauptthema. Es sind die Falten, Knicke, Flecken und Kanten, die mich faszinieren.
Zunächst arbeitete ich auf Papier mit PVA-Kleber oder Acrylmedium. Als ich dann in größerem Maßstab arbeitete und Schichten von bemaltem Papier einsetzte, wechselte ich zu Hausfarbe und Lack.
Meine Lieblingstools sind im Moment ein alter Metallzirkel zum Kratzen, Schleifpapier und meine Stichsäge!
Skizzenbücher spielen eine zentrale Rolle in deiner künstlerischen Arbeit. Hast du einen bestimmten Prozess, dem du beim Arbeiten in Skizzenbüchern folgst?
Ja, ich benutze seit langer Zeit Concertina – Skizzenbücher und kann mir das Arbeiten ohne sie nicht vorstellen.
Ich liebe es, wie meine Arbeit vor- und zurückfließen kann und wie sich eine Geschichte durch das ganze Buch entwickelt, im Rhythmus der Seiten.
Normalerweise benutze ich A5, aber ich habe auch kleinere und größere Formate (A4). Ich benutze die Bücher von Seawhite of Brighton, da die Papierqualität fantastisch ist – das Papier ist doppelt und hat insgesamt siebzig Seiten. Ich habe versucht, meine eigenen Bücher zu machen, aber sie werden immer ziemlich schief, sogar mit deinem Anleitungs-Video!
Vor vielen Jahren habe ich beschlossen, meinen Arbeitsprozess in den Skizzenbüchern zu teilen. Ich baue Schichten mit Collagen, Tinte und Markierungen auf und lasse mich davon inspirieren, wenn ich vor Ort arbeite. Das ist die Grundlage für meine Kurse. Ich versuche immer, die Frische meiner Skizzenbücher in meinen größeren Arbeiten zu reproduzieren.
Hast du einen speziellen Raum für die Arbeit an deiner Kunst?
Ich habe ein Atelier in meinem Garten, 8 x 16 Fuß (2,10 x 4,80 m) groß. Es ist nicht besonders groß, vor allem, da meine Arbeiten immer größer werden, und es scheint geschrumpft zu sein! Ich liebe es, dass es direkt im Garten ist, sodass ich schnell mal für eine Tasse Tee oder einen Snack nach drinnen gehen kann. Im Winter ist es sonnig und warm. Sobald ich das Atelier betrete, drehe ich die Musik auf und bin ganz in meinem Element.
Hast du schon einmal eine kreative Blockade oder eine andere Herausforderung erlebt?
Ich denke, wir alle haben irgendwann eine Blockade, aber die Disziplin, fast täglich in mein Atelier zu gehen, hilft mir sehr. Manchmal bin ich zwar widerwillig, weil die Arbeit nicht fließt, aber sobald ich im Atelier bin und beginne, die Collagenpapiere zu bewegen, läuft es wieder.
Im Moment fühle ich mich etwas blockiert, weil mein Atelier so klein ist und meine Arbeiten so groß sind. Ich muss die Stücke ständig zur Seite schieben und stapeln, obwohl ich sie am liebsten alle in einer Reihe aufstellen würde. Ich habe drei Tage damit verbracht, Formen hin und her zu schieben, und erst heute habe ich erkannt, was fehlte – der freche, unkonventionelle Aspekt – und das steht jetzt auf meiner Wand geschrieben.
Was hilft dir, deine kreative Praxis aufrechtzuerhalten?
Selbstdisziplin ist eine große Hilfe. Auch die Begeisterung für das, was man tut. Meine mediterranen Häuser waren kommerziell erfolgreich, aber sie wurden mir zu einfach, und ich hatte das Bedürfnis, mich in neue Richtungen zu bewegen. Emily Ball hat mir auch als Mentorin geholfen. Alle paar Monate habe ich mich mit ihr ausgetauscht, und sie hat mich immer wieder in neue Richtungen gestoßen. Dieses Jahr habe ich mich bei Turps Banana angemeldet, einem britischen Fernkurs für ernsthafte Künstler. Wir bekommen einen Künstler/Dozenten/Schriftsteller zugewiesen, der fünfmal im Jahr seine Gedanken teilt, auf die wir dann sorgfältig reagieren.
Hast du Tipps zur Beständigkeit, Disziplin und Engagement?
Beständigkeit muss nicht heißen, jeden Tag oder sogar drei Tage pro Woche im Atelier zu sein. Manchmal arbeite ich ein paar Wochen am Stück und dann eine Weile nicht – es funktioniert trotzdem. Für mich bedeutet Beständigkeit, dass ich dranbleibe, durchhalte und sicherstelle, dass ich etwas FÜHLE und weiß, dass ich nicht einfach nur etwas produziere. Meine Kunst ist eine lebenslange Verpflichtung.
Eine Freundin hat mich kürzlich gefragt, und es wurde mir klar, dass die Kreativität mein ganzes Leben lang da war. Ich kann mir nicht vorstellen, nicht kreativ zu sein – es nährt und erdet mich.
Mehr Infos findest du hier:
Website: www.karenstampercollage.com
Instagram: @karen_stamper_collage
YouTube: Karen Stamper Artist
Facebook:Karen Stamper Collage
Das komplette, gefilmte Interview gibt’s exklusiv in der Art & Inspiration Community.
